el dibujo infantil

julio 1, 2009

INTRODUCCIÓN

Dibujar y pintar son las actividades más frecuentes que hacen los niños y niñas en la escuela, por ello las características de esos dibujos, sus dibujos y significados, su evolución o desarrollo, son asuntos de la máxima importancia en educación artística.

Los dibujos infantiles han constituido un poderoso foco de interés para muchos de los principales artistas del siglo XX.

INDICE TEMÁTICO Y OBJETIVOS DE APRENDIZAJE

Índice temático

  • El dibujo y el arte infantil: ¿Cómo dibujan las niñas y niños?
  • ¿Qué dibujan las niñas y los niños? Temas y figuras más frecuentes en el dibujo espontaneo infantil.
  • ¿Cómo cambia el dibujo infantil en función de la edad?
  • Las investigaciones sobre el dibujo infantil.
  • La enseñanza sobre el dibujo infantil.

Contenido de aprendizaje

  • Reconocer y distinguir las principales características de los dibujos espontáneos infantiles.
  • Relacionar las diferentes teorías e interpretaciones sobre los dibujos infantiles.
  • Interpretar adecuadamente los dibujos infantiles como una manifestación integral de los procesos cognitivos y afectivos de la persona que dibuja.
  • Valorar las interrelaciones de los enfoques interdisciplinares sobre el arte infantil.
  • Comparar los diferentes enfoques educativos sobre la enseñanza del dibujo en la escuela primaria.

CONTENIDOS

El dibujo y el arte infantil: ¿Cómo dibujan las niñas y los niños?

Especialmente en el ámbito escolar, las niñas y los niños hacen ejercicios siguiendo las instrucciones del profesorado, o las pautas que indican sus fichas de trabajo o sus manuales y libros para colorear, que poco o nada tienen que ver con el dibujo infantil.

El dibujo y el arte infantil lo constituyen las imágenes y las obras que producen los niños de modo espontáneo, cuando se le facilita y motiva a que dibujen por sí mismos, tal y como ellos mismos son, sin tener que imitar o seguir ninguna pauta preestablecida o ajena a su propio modo de dibujar. Las niñas y niños introducirán en sus dibujos motivos, formas, colores y estrategias de representación características del entorno visual en el que se desenvuelven, y estas influencias se harán cada vez más notorias a partir de los primeros cursos de escolaridad obligatoria.

Ciertas características formales y estrategias de representación hacen inconfundibles los dibujos infantiles. Entre los rasgos definitorios mas unánimemente mencionados figuran los diez siguientes:

–          El principio de aplicación múltiple por el que una misma forma puede servir para representar muchas diferentes. Este fenómeno al que también se ha denominado proceso de esquematización también consiste en utilizar un figura simple, por ejemplo un circulo, un rectángulo, un triangulo, u otras no necesariamente geométricas, para representar una gran variedad de objetos o partes del cuerpo humano.

–          El principio de de la línea de base. La línea de base es una línea horizontal que cruza de parte a parte la zona inferior del dibujo, sobre la que se apoyan o sostienen los personajes, las plantas, animales, construcciones y objetos que aparecen en la escena. La línea de base es un procedimiento grafico muy útil para resolver el arduo problema de la representación del espacio tridimensional en una imagen o dibujo bidimensional.

–          El principio de perpendicularidad. La relación entre un objeto y la base en la que se apoya es preferentemente perpendicular, sea cual sea la orientación espacial concreta que tenga esa base. Por ello, siempre que esa línea de base se aparte de la horizontal, los objetos o personajes que sobre ella se dibujen serán perpendiculares a su propia base, aunque el conjunto de la escena parezcan inclinados o torcidos.

–          El principio de la importancia del tamaño. Las figuras humanas, las partes del cuerpo o los objetos más importantes, ya sea desde un punto emocional, funcional o semántico, deben tener un tamaño mayor que los elementos secundarios. Por ejemplo, el brazo que ejecuta una acción se dibujara más grande que el que no hace nada, o las partes del cuerpo de mayor importancia expresiva, como los ojos y la boca, adquirirán unas proporciones más desmesuradas.

–          El principio de aislamiento de cada parte del conjunto. Para representar un conjunto compuesto de elementos similares se preferirá, normalmente, dibujar los elementos constitutivos, uno a uno, y en su posición característica, como si se tratase de unidades aisladas, antes que someterlos o dibujarlos en una forma general que represente globalmente al conjunto.

 

–          El principio del imperativo territorial. Cada elemento que aparece en el dibujo dispone de su espacio propio e inviolable. En el dibujo infantil es muy raro que aparezcan solapes, ocultamientos o superposiciones.

 

–          El principio de la forma ejemplar. De entre los posibles modelos de representación de un objeto se preferirá aquel que mejor describe sus principales cualidades visuales. Esto significa que cada parte de un objeto o personaje, y cada objeto o personaje dentro de la misma escena aparecerá representando desde el punto de vista que mayor información proporcione de ese elemento, aunque ello contradiga su situación concreta en ese conjunto.

 

–          El principio del abatimiento. Los elementos eminentemente verticales, tales como las personas, las casas o los árboles, serán dibujados frontalmente, y los elementos eminentemente horizontales, como los campos cultivados, las piscinas, las mesas, o las carreteras aparecerán a <vista de pájaro>, de tal manera que siempre se presente al espectador la superficie más extensa del objeto.

 

–          El principio de simultaneidad de distintos puntos de vista. Cada parte de la figura se dibujara de acuerdo con el punto de vista que más se aproxime a la <forma ejemplar> de esa parte. Por consiguiente las orejas y los ojos se presentaran habitualmente de frente, ya esté el conjunto de la cabeza de frente o de perfil.

 

–          El principio de <visión de rayos X>, por el que se dibuja todo lo que sea necesario describir explícitamente en la imagen, aunque para ello haya que hacer <transparentes> las paredes de las casas o de los automóviles.

 

 

 

¿Qué dibujan los niños y niñas? Trazos y figuras más frecuentes en el dibujo espontáneo infantil.

 

Durante los primeros años, desde que los niños y niñas comienzan a dibujar, poco después de haber cumplido un año, hasta que cumplen tres o cuatro años, cuando comienzan a ser claramente reconocible las figuras que han dibujado, aparece un amplio  conjunto de marcas, trazos o garabatos.

Al final de la etapa del garabateo, la figura humana es uno de los primeros motivos que es posible distinguir o reconocer en los dibujos infantiles y permanecerá como figura predilecta a cualquier edad.

El tema de la figura humana ha sido el que ha merecido una mayor atención en las investigaciones.

Después de las figuras humanas el sol es la figura más dibujada. Las casas, los árboles, las nubes, los arboles y las flores aparecen junto a las personas y el sol, también muy frecuentemente.  

 

¿Cómo cambian con la edad los dibujos infantiles?

 

Los dibujos infantiles cambian o evolucionan con la edad. Algunas pautas son muy claras y evidentes: en los dibujos de los más pequeños no pueden no pueden distinguirse elementos figurativos, en cambio en los seis o siete años cada línea y cada color está representando algún elemento o detalle, una acción o un recorrido; las primeras figuras humanas que aparecen en los dibujos alrededor de los cuatro años parecen flotar en un espacio indiferenciado, como si no pesaran; en cambio, las de los siete u ocho años, ya estén de pie o acostadas, suelen estar firmemente apoyadas en una línea base que ordena con toda rotundidad los ejes verticales y horizontales del conjunto de la escena.

 

 

 

 

Las investigaciones sobre el dibujo infantil: enfoques y objetivos

 

El dibujo y el arte infantil, ya sea considerado por su propio interés intrínseco, ya sea usándolo como medio o instrumento para averiguar diferentes dimensiones o variables de la persona que ha realizado el dibujo, es objeto de multitud de experiencias e investigaciones.

Puede establecer una clasificación en tres grandes tipos de investigaciones sobre el dibujo infantil, atendiendo a que objetivos o propósitos quieren averiguarse, aunque los límites entre unos u otros enfoques son, en realidad, bastante laxos y fluidos.

 

Conocer a la persona o al grupo, a través del dibujo.

 

Se trata de las investigaciones que utilizan el dibujo infantil como medio para obtener una respuesta objetiva del niño o de la niña, a fin  de estudiar, no tanto ese dibujo en cuanto manifestación grafica o artística, sino a través de ese dibujo llegar a observar o deducir una gran multitud  de variables o características de la persona que ha realizado ese dibujo. En este caso, el dibujo se utiliza como un instrumento de investigación, de la misma manera que en una encuesta escrita  o en una entrevista hablada, nos interesa descubrir a través de las respuestas, los conocimientos, rasgos de personalidad, o el contexto familiar del alumnado y no tanto sus habilidades literarias o su capacidad verbal.

 

El dibujo y el arte infantil.

 

El propósito de las investigaciones que estudian los dibujos, las pinturas o las construcciones tridimensionales que hacen los niños y las niñas espontánea y libremente es analizar sus características y explicar sus rasgos y cualidades. Para ello se recurre a los conceptos, estrategias y métodos de análisis que han ido desarrollándose en relación con cualquier tipo de imágenes o especialidades en artes visuales.

 

El aprendizaje del dibujo: ¿Qué son capaces de dibujar las niñas y niños pequeños?

 

Algunas investigaciones se centran a comprender qué estrategias de representación son capaces de desarrollar los niños y las niñas más pequeños cuando se les propone resolver problemas de representación grafica de escenas y objetivos.

Otras se plantean averiguar qué estrategias o conceptos gráficos de los lenguajes  del dibujo <adulto> puede llegar a aprender las niñas y los niños en la escuela primaria. La mayoría de estos trabajos  se centran en las normas y recursos característicos de los sistemas objetivos de representación del espacio, tales como el sistema diédrico, o en las claves de concepción perspectivas del espacio, como los escorzos de la figura humana.

 

 

 

 

Los métodos de enseñanza del dibujo en la escuela.

 

Buena parte de los estudios sobre el dibujo infantil se han desarrollado desde una perspectiva educativa. En ellos se busca conocer mejor los rasgos y peculiaridades de los dibujos espontáneos infantiles a fin de fundamentar adecuadamente una correcta enseñanza de las artes visuales.

 

CONCLUSIONES

El dibujo infantil, después de algo más de un siglo de investigaciones y experiencias, lejos de estar agotado, sigue siendo un tema abierto y fecundo.

La intensa utilización de las tecnologías del video y de la computadora en el estudio del dibujo está haciendo mucho más fácil el conjunto de movimientos, acciones, expresiones, posturas, gestos, expresiones verbales y sonidos que acompañan la realización del dibujo, y de este modo se puede llegar a comprender con mayor exactitud y profundidad qué es lo que ha sucedido en el dibujo y cuál ha sido el contexto en el que ha tenido lugar el proceso grafico.

comentario del tema 8

julio 1, 2009

TEMA 8: LA EVALUACIÓN

–          ¿Por qué hay que evaluar?

–          ¿Para qué evaluamos a los alumnos?

–          ¿Cuándo hay que avaluar?

–          Fases de la evaluación

–          Que evaluamos

 

Tema 8: la evaluación en educación artística

Debemos de evaluar ya que la evaluación es uno de los aspectos más importantes del proceso educativo. La evaluación es mucho mas que pedir el rendimiento de los alumnos, ya que sirve4 para mejorar los procesos de enseñanza-aprendizaje, la programación y el aprendizaje de los alumnos.

Nosotros como maestros debemos evaluar a los alumnos para informarles, orientarles, aprender cómo debe él mismo autoevaluarse y por ultimo para emitir una evaluación.

Es fundamental que la evaluación abarque todo el proceso educativo.

Podemos dividir a la evaluación en tres fases: la inicial. La formativa y la sumativa.

La fase inicial permite conoces los conocimientos previos de los alumnos, esto permite conocer errores y recoger evidencias de cómo aprenden los alumnos.

Un error muy frecuente en los alumnos es pensar que el dibujo es algo con lo que se nace, y esto es falso, ya que no se nace sabiendo dibujar, sino que hay que aprender a ello.

La fase formativa es continua y dura todo el proceso educativo, procura explicar todo lo que sucede y sirve para entender, corregir y mejorar tanto al alumno como al profesor.

Es un error pensar que la evaluación formativa sirve para controlar a los alumnos, ya que su función principal es ayudarles en su aprendizaje.

Y por último la evaluación formativa “Se plantea como el proceso de síntesis de un tema, un curso o un nivel educativo, siendo el “momento” que permite reconocer si los estudiantes han logrado los resultados esperados

¿Qué evaluamos?

Creo conveniente comenzar diciendo lo que no debemos evaluar:

 

  • Nunca debemos calificar o juzgar a las personas
  • No tenemos que considerar nuestra evaluación, ni la calificación que demos, como un juicio definitivo
  • Jamás la usaremos como un modo de presionar excesivamente o humillar (tal vez sin darnos cuenta) al alumno
  • Procuraremos no establecer comparaciones innecesarias entre alumnos.

Un error que nunca debemos cometer cuando seamos maestros es calificar a las personas.

Einstein es un caso claro de mala praxis docente.

Dibujo

Volviendo otra vez a la pregunta de qué evaluamos podemos decir que evaluamos datos/ hechos, conceptos, procedimientos, actitudes y procesos.

Me gustaría señalar que fundamentalmente hay dos maneras de evaluar, evaluando procesos puntuales y evaluando procesos.

Evaluando procesos puntuales, como los exámenes, cuestionarios… evaluando mediante procesos, como pueden ser el diario del profesor y el diario de los alumnos.

El trabajo plástico es un modo de aprendizaje que no se puede sustituir con otro tipo de trabajos. Pero la educación artística no consiste sólo en hacer trabajos plásticos como dibujos, modelados, etc.

Sea cual sea el instrumento o los instrumentos de evaluación que utilicemos es necesario que combinemos instrumentos diferentes, que midan capacidades y aspectos distintos. Si utilizamos siempre el mismo tipo de prueba:

  • Sólo medimos una determinada faceta del aprendizaje
  • El alumno se acostumbra a trabajar sólo para el tipo de prueba que vamos a hacer, y no para aprender
  • Deformamos el proceso de aprendizaje puesto que el alumno acaba entendiendo que lo importante es aquello que evalúan las pruebas que hacemos, y y no la materia en sí misma

La mayoría de las pruebas cuando se usan aisladamente, conducen a resultados erróneos o muy erróneos.

Por último me gustaría decir que hay otras maneras de avaluar, como puede ser la auto evaluación, la evaluación conjunta, la evaluación en grupo y la triangulación.

Web grafía: www.google.com y www.scielo.org

comentario del tema 7

julio 1, 2009

TEMA 7: MODELOS DE  EDUCACIÓN ARTISTICA

– Educación artística basada en el proceso, vinculada al proceso educativo.

– Educación artística para la creatividad y la autoexpresión.

– Educación artística para el desarrollo de la percepción y la alfabetización visual.

– Educación artística para la comprensión critica.

 

Para comenzar el tema podríamos decir que la educación artística en primaria no consiste en aprender a dibujar como grandes artistas, ni hacer trabajos manuales para entretener a los niños, es una asignatura que desarrolla aspectos muy importantes de la persona, y por último tampoco es una asignatura manual frente a otras que son teóricas.

Podemos diferenciar cuatro racionalidades sobre la educación artística, las cuales voy a decir en orden cronológico de su aparición:

1º Educación Artística basada en el proceso, vinculada al sistema productivo.

2º Educación Artística para la creatividad y la autoexpresión.

3º Educación Artística para el desarrollo de la percepción y la alfabetización  visual.

4º Educación Artística para la comprensión crítica.

La educación artística basada en el proceso, vinculada al sistema productivo consiste en aprender a dibujar.  Este modelo busca que los alumnos aprendan a dibujar y a desarrollar otras destrezas artísticas. Este modelo es el más antiguo, ya que es del siglo XVIII.

Pero este modelo de aprender a dibujar es insuficiente por sí sólo, ya que hoy día no es imprescindible saber copiar ni desarrollar destrezas miméticas, porque existen cámaras. Hay muchas maneras de ver la realidad y de pintar o dibujar.

Hay muchos modos posibles de mirar y de hacer arte, no sólo uno.

Dibujo Dibujo

En la educación artística para la creatividad y la autoexpresión se deja a los niños dibujar y expresarse libremente, el profesor solo debe ser una acompañante. Este modelo surge a principios del siglo XX.

Este modelo de la autoexpresión se basada en los nuevos modos de pintar de las vanguardias y en mitos como el de Van Gogh.

DibujoDibujo 

 

Este modelo también se basaba en el modelo del arte infantil.

 

Dibujo 

El modelo de la educación artisitica para el desarrollo de la percepción y la alfabetización visual busca darle cientificidad a la materia, hacerla disciplinar. Este modelo afirma que hay un lenguaje visual, y que los niños. Es el modelo de la Reforma LOGSE y sigue muy presente en la LOE.

Pero este modelo tiene una serie de problemas que son los siguientes:

  • Hay autores que niegan que el arte funcione exactamente como un lenguaje.
  • Insiste mucho en los elementos de la imagen, en el conocimiento de los procesos formales más técnicos. Y eso no siempre ayuda a entender las imágenes. Saber cómo se han usado líneas o colores no suele hacernos comprender una obra.
  • Hace una “lectura” muy automática de las imágenes, que a menudo ocultan su relevancia real o “lo que hay detrás”.
  • Las palabras aburridas, reiterativas, descontextualizadas y no tienen sentido para los niños ya que no pueden ser concebidas como “consumidores” de imágenes porque las imágenes nos construyen y co-construyen la realidad.

En este modelo no son todos problemas, también hay cosas de las que podemos aprender:

  • Conocer los elementos del “lenguaje visual” una imagen: cómo funcionan los procesos técnicos, cómo componer una imagen, como usar el color… (especialmente en niños mayores y adolescentes)
  • Conocer el código y el uso ortodoxo de los elementos plásticos (punto, línea, color, etc.) puede ser útil a veces, especialmente cuando trabajamos el Diseño, la pintura abstracta, la fotografía, etc. Puede ayudar a entender mejor cómo se crea.

El último modelo es el de la Educación Artística para la comprensión crítica y performativa de la CULTURA VISUAL, que surge a finales del siglo XX. Se plantea una educación artística más significativa y más abierta y plural. Promueve que el alumno investigue y busque sus propias interpretaciones de lo visual.

Para este modelo cualquier imagen es importante y puede ser analizada o estudianda. 

 

 

 Dibujo  Dibujo

 web grafia: www.google.com www.redvisual.net

tema 6: las imágenes y lo visual como conociemiento completo

mayo 19, 2009

40 principales.Diapositiva1

 

 

En cada imagen  están presentes distintos componentes de lo humano que interactúan entre sí, como son el ser humano, el ser individual, el ser social y el ser cultural.

Las imágenes tal y como nosotros la conocemos son el producto final de interacciones innumerables, como pueden llegar a ser los canales de comercio y distribución, espectadores, relatos, historias, etc. A su vez las imágenes influyen en todas estas elementos, como puede ser cambiando nuestra ideología, nuestra modo de ver la realidad, de relacionarnos con las personas, etc.

Debemos de huir de las interpretaciones correctas:

Estamos acostumbrados a pensar a que la mayoría de las cosas que vemos tienen una explicación lógica y correcta, ya que esto es lo que nos han enseñado desde pequeños, pero esto no es así. Para cada cosa hay muchas interpretaciones diferentes, pero estas interpretaciones dependen de muchas cosas, como pueden ser de la ideología, de la cantidad de información que se conozca, de la raza, etc. Debemos de comprender que no solo hay una manera de ver y de entender las cosas, sino que hay varias opciones y varios puntos de vista.

Las artes son materias mal estructuradas:

Hay algunas materias que tienen una estructura clara y constante, pero sin embargo, hay otras que no tienen dicha estructura.

Uno de estos campos mal estructurados son por ejemplo las artes, ya que no siguen unos parámetros ni unas reglas fijas, que permitan su estudio.

Dibujo                                  

 

 Dibujo

 

 La realidad es algo muy complejo, pero la escuela la ha de explicar de una manera fácil y sencilla para que sea comprensible. Para que entendamos algo bien hay que entender también el contexto en el que está.

Dibujo

 

Esta foto es un claro ejemplo, a partir de la cual, sino no entendemos el contexto, no podremos entender como los supervivientes del avión tuvieron que comer carne humana para poder sobrevivir. Si no conocemos ni entendemos dicho contexto nunca podremos llegar a comprenderles.

El valor cognitivo de las artes:

Las artes y lo visual abren el conocimiento en muchas direcciones distintas, por eso se puede decir que son motores de aprendizaje muy potentes. Enseñar arte tiene un objetivo, el cual consiste en contribuir a la comprensión del paisaje social y cultural en que cada individuo habita.

Debemos evitar las preguntas fáciles y buscar las preguntas complejas, que sean difíciles de contestar, para que así busquemos información que nos puedan ayudar a completar la pregunta dándole una respuesta y una explicación.

No se trata de aventurar opiniones, sino de conocer. Claros ejemplos están en estas fotos:

Dibujo     Dibujo   Dibujo

 

 

Algunas claves para comprender lo visual: tipos de imágenes.

Podemos comenzar diciendo que las imágenes pueden parecerse a la realidad, pero nunca son la realidad. Pueden ser o realidades nuevas o bien una representación reconocible de la realidad. Estas imágenes, decimos más figurativas o menos figurativas según su parecido con la realidad, a mayor parecido mas figurativa es la imagen, y mientras menos parecido tenga pues meno figurativa será esa imagen.

Dibujo   Dibujo

 

Ésta son imágenes muy figurativas, ya que se parece mucho a realidad.

Dibujo Dibujo

 

Sin embargo, esta es una imagen que tiene poco parecido con la realidad, por lo tanto es una imagen poco figurativa.

 

 

Entre el realismo absoluto y la abstracción podemos encontrar muchas posibilidades intermedias:

Dibujo    Dibujo

 

Estas  imágenes no son totalmente figurativas, pero tiene un alto grado de figuración.

Para terminar con este apartado podemos decir que las imágenes realistas no son siempre lo mejor, ya que depende de la circunstancia y de la función.

Tipos de imágenes según su función:

El primer tipo de imagen que podemos distinguir son las imágenes informativas, de las cuales hay muchos tipos, como pueden ser las científicas, las técnicas, las simbólicas…

Dibujo Dibujo  Dibujo  Dibujo

 

Pero también podemos encontrar otro tipo de imágenes, como son las ornamentales, las conmemorativas, pornografía, publicidad, etc.…

Dibujo   Dibujo  Dibujo

Imágenes “obras de arte”

Dibujo  Dibujo

 

 

El arte a lo largo de toda ha servido para muchas cosas, como para decorar, educar, expresar, entender…

Debemos procurar que el arte sea un medio para comprendernos y para comprender.              

 

Algunas claves para comprender lo visual: los canales de difusión

Canales de difusión de lo visual

Las imágenes de difusión social llegan a nosotros a través de una serie de canales de difusión como pueden los de titularidad privada o pública, en los que podemos encontrar las televisiones, los periódicos, internet…, también existen las publicaciones especializadas como las revistes científicas, los libros, las actas de congresos, etc., y como último ejemplo se podría decir los canales propios del arte, en los que encontramos las galerías, los museos, los catálogos, la crítica especializada, los foros…

Hay que decir que se crean una gran cantidad de imágenes sin que nosotros lo sepamos o sin que nosotros las podamos controlar, estas imágenes son las que se producen en las escaleras de los aeropuertos, de los trenes, las cámaras de seguridad, en la calle, etc.

 

 

Los limites que hay entre unas imágenes y otras hay veces que no están claros y no son fijos.

Dibujo

Internet ha revolucionado por completo el concepto de canal de distribución. Internet es un inmenso espacio virtual lleno de millones de imágenes de todo tipo.

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Gracias a internet se puede acceder a cualquier imagen, y además manipularla. Esto supone un desafío al concepto tradicional de derechos de autor y de imagen.

 Dibujo

 

Pero esta posibilidad de crear y/o manipular las imágenes nos permite tener a nuestro alcance un canal masivo de distribución de imágenes. Pero debemos tener en cuenta que estos canales de distribución están controlados por poderes y grandes empresas.

Control de los canales

Dibujo

 

 

Este control de los canales nos es sólo sobre los contenidos de la información, sino también sobre qué cine documentales etc se hacen y se transmiten, y cuáles no, sobre qué productos se distribuyen masivamente y cuales se destinan a las minorías, sobre las personas que intervienen en los debates, en los reportajes…

venecia

febrero 10, 2009

VENECIA 1989

Los sentimientos y las ideas construidos a lo largo de años de desea se imponía a la realidad “real” por la que pasaba. La realidad no es evidente. La construimos de deseo, de relatos cortos, de casualidades, de nuestra propia experiencia etc.

 Fuera Venecia. El patrimonio no es un ente acabado.

En vez de aspirar siempre a una visión objetiva del patrimonio y de casi todo); una visión “científica” y desligada de condiciones e interacciones extra-académicas, ajenas al mundo de la Escuela, serían más interesante considerar que la realidad es muy compleja, y no se pliega a explicaciones científicas. Evitar limitarnos a lo simple y afrontar lo complejo.

 El patrimonio no es únicamente un testimonio del pasado. Es un ente vivo, que, como cualquier otro aspecto de la realidad, precisa de reflexión para ser aprendido. El Patrimonio no está acabado nunca, no ha sido concluido.

Patrimonio como elección hecha por alguien.

El Patrimonio en realidad es una selección que ciertas personas han hecho pretendiendo representar la sociedad. Una elección casual en si devenir histórico, discutible en su representación social. El patrimonio es un fenómeno complejo, que tiene que ser abordado desde muy diversas disciplinas y miradas.

Algunos aspectos de las obras y objetos patrimoniales.

 Voy analizar algunos aspectos que me parece fundamental tener en cuenta cuando consideramos una obra.

1. Poliédrica

2. Un ser social

3. De sentido cambiante

4. De valor inestable

5. Mediadora

6. Facilitadora de interpretaciones

1.- Las obras son poliédricas.

 Debemos ver la realidad del patrimonio desde muchos puntos de vista.

 2.- Las obras son seres sociales.

 Los bienes patrimoniales sólo son importantes porque la sociedad decide que lo sean. Son categorías culturales. Nuestra Ley de Patrimonio lo expresa claramente: los bienes que lo integran se han convertido en patrimoniales debido exclusivamente a la acción social que cumple, directamente derivada del aprecio con que los mismos ciudadanos loa han ido revalorizando. Si los objetos patrimoniales lo son únicamente porque los ciudadanos han decidido que lo sean, esto quiere decir que toman sus sentidos de las distintas sociedades con las que han convivido o conviven. La Escuela puede sentir la tentación de entender que hay un discurso “correcto” sobre el Patrimonio. Y en consecuencia evaluar solo teniendo en cuenta este discurso. Sin embargo, habría que tener precaución con las interpretaciones “correctas” y “estándar”.

 3. – El sentido de las obras es cambiante.

 Esta aseveración se desprende naturalmente de la anterior. Si el sentido de las obras depende de la cultura en que son observadas y conservadas, su sentido es entonces cambiante. Pero vale la pena considerar un par de aspectos:

– La preeminencia durante siglos de concepción estética naturalista, que presupone que los seres humanos poseen una apreciación estética natural. Eso haría que todas las personas, independientemente de su origen o cultura, poseyeran una especie de sentido estético innato, y que por tanto existiera un gusto universal.

– La apreciación estética posee valor distinto según quien la lleve a cabo. Los mismos especialistas también trabajan desde supuestos culturales o personales. En la escuela, el significado del arte y de las imágenes también depende de factores externos a la obra, entre otros del libro de texto, el docente o las historias previos de los alumnos/as.

 4.- El valor de las obras es inestable

Esta aseveración también surge naturalmente de las anteriores. Si las obras son seres sociales y su sentido es cambiante, su valor también es cambiante. Es interesante detenernos en la relación entre el poder y la selección de las obras significativas. La selección de lo que no es valioso es una práctica de poder. Según el poder varíe, o varíen las intenciones por las que se guía, también variará la selección. El valor atribuido varía tanto en términos cuantitativos como cualitativos. Cuantitativos, porque el objeto patrimonial podrá ascender o descender en la escala de valor que cada poder establezca. Cualitativo porque esas variaciones se producen precisamente porque varían los criterios que se utilizan para atribuir valor a la obra.

 5.- Las obras son mediadoras.

Las obras están enormemente vivas: influyen sobre nuestro modo de ver y entender cuanto nos rodea. De alguna manera, vemos desde ellas, a través de ellas. Son poderosas. Amplían nuestros horizontes y hacen más ricas nuestras vidas, pero no siempre del mejor modo posible. Las aprendemos en un instante, casi sin darnos cuenta, y solemos tener poco reparo ante ellas: somos poco conscientes de su capacidad para construirnos y manipularnos. Al relacionarse con las personas, las obras empiezan a producir y gestionar significados y sentidos (sentimientos). Esa relación es dialéctica. También son mediadoras en la escuela, crean un determinado imaginario y evitan otro.

6.- las obras son facilitadoras de interpretaciones.

 Comprendemos las obras y el Patrimonio a partir de multitud de informaciones; no solo de las escolares o técnicas. Sólo una parte de esas informaciones proviene de los relatos de expertos. Este relato de los expertos es subjetivo. Si no nos conformamos con repetir las ideas de alguien, si no que queremos comprender los objetos patrimoniales que tenemos ante nosotros, no tendremos más remedio que considerar un pluralidad de fuentes. La realidad es compleja. La escuela ideal debería evitar el relato único, facilitando que los alumnos integrasen sus conocimientos en su propia construcción de la realidad. Es muy importante considerar que más que “lecturas”, las personas construimos interpretaciones de las obras de arte. Puesto que no hay una visión correcta universal, y cada uno juzga desde su cultura y desde su propia biografía, cada uno utiliza la información para unos determinados fines.

comentario del tema 5

febrero 10, 2009

TEMA 5: VISUALIDAD E IDENTIDAD. VISUALIDAD Y NARRATIVA

Es necesario tener en cuenta los imaginarios que actúan sobre nuestros alumnos y sobre nosotros mismos. Las imágenes influyen directamente en nuestro imaginario, por lo que nos lleva a ver y a pensar de distintas maneras. Debemos tener también muy en cuenta que los imaginarios cambian. Pero también tenemos que tener en cuenta que lógicamente que las imágenes también son influidas por los imaginarios que hay en ese momento en el que son creadas. La relación entre las imágenes y los imaginarios es continua y van cambiando sin parar a la vez que va cambiando el mundo. Los trabajos que realizan nuestros alumnos también están influidos por lo

– La identidad es uno de los aspectos fundamentales para trabajar en la escuela.

comentario del tema 4

enero 26, 2009

TEMA 4: ¿POR QUÉ EXSITEN LAS IMÁGENES? SOCIEDAD DEL ESPECTÁCULO

Debo comenzar diciendo que no da igual que existan o no las imágenes. Uno de los fines que tiene la imagen es el de representar la realidad, recordar, informar…

 

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Esta imagen salió cuando estaba la guerra de Irak. En la imagen el soldado saca a pasear al preso como si fuera un perro. El escándalo se conoció por la foto. Nunca da igual que existan las imágenes, porque gracias a la foto se conoció todo este escándalo de la tortura de los soldados estadounidenses. Las imágenes nos dan siempre información, y siempre tiene algún poder detrás.  Yo creo que en la foto se refleja un detalle muy importante y el cual no todo el mundo sabría sacarle el correspondiente significado, esto es que el soldado es una mujer, y para la religión de los iraquíes el que sean mandado por una mujer se pude decir que es muy humillante.

 

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El problema de las imágenes es que nos creemos que lo hemos visto, y no es así, ya que las imágenes son interpretaciones, y según la interpretación que le tienes un sentido u otro. Del suceso que muestra la imagen, por ejemplo, solo se vieron imágenes y fotografías de  los aviones estrellándose contra las torres, pero no se vieron otras cosas que también sucedieron, como son las personas muertas, la gente tirándose por las ventanas… Esto es así, porque no conviene que tengamos la idea de la gente muerta cuando sucedió lo de las torres gemelas, sino la imagen y por lo tanto el recuerdo de solo los aviones estrellándose contra las torres.

 

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A nosotros, a la sociedad,  nos da la impresión de que lo normal es ver las cosas, mientras que lo normal es no verlas. No es normal ver un satélite, o el interior de un cuerpo. Las imágenes siempre son una selección intencionada.

 

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Todos en nuestro celebro tenemos una gran cantidad de imágenes las cuales denominamos imaginario. Un ejemplo de esto puede ser  la imagen de Titanic.

 

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Nosotros comprendemos esta imagen porque nos ha llegado conocimiento de cómo es la cabeza, el celebro. Tenemos un imaginario, y esta imagen no tendría sentido para aquellas personas que no han visto nunca una radiografía o un celebro.

 

 

(Una tarea fundamental para cuando nosotros seamos maestros es saber en que imaginario están nuestros alumnos.)

Las imágenes nos sólo construyen nuestra visión del mundo, sino que perduran en el tiempo, funcionan como recuerdo.

1.- Hasta hace poco más de un siglo las imágenes eran muy escasas. Y las que habían como por ejemplo los bisontes de las Cuevas de Altamira no se sabían para que se hicieron.

Las imágenes particulares, privadas que se realizaban para el interior de la casa, para la decoración, hasta que no estaba avanzado el siglo XIX era un privilegio de las clases acomodadas o de las élites culturales.

Con la invención de la imprenta se produjo un gran cambio, ya que sobre todo los libros iban siendo bienes cada vez más populares.

 

2.-  hacia la sociedad del espectáculo. En el siglo XIX se pasa de tener pocas a tener muchas imágenes.

El gran cambio en la producción de imágenes fueron los medios fotográficos y sus derivados.

En 1884 Eastman patenta las primeras películas continuas de fotografía. En 1888 se inventa la primera cámara kodak. Estos son los inicios de la popularización de la fotografía  para todas las clases sociales.

Los cambios técnicos en la imprenta en el siglo XIX, y después los del XX, facilitaron la reproducción de gran cantidad de imágenes.

EL CINE

El cine nace muy al final del siglo XIX. Al principio del siglo XX el que se dio cuenta de que iba a ser un gran invento también descubrió  los efectos especiales, esta persona fue George Melies. El poder del cine está desde el principio en  manos de EEUU.

Un claro ejemplo de esto es que lo sucedido con el acorazado Potenkim fue retractado luego en una película.

El cine convierte la vida en un espectáculo.  Nos hemos convertido en una sociedad que ve la  vida en la pantalla. El cine también cambia el modo de ver de las personas, ya que podemos ver los distintos tipos de planos, como el primer plano, plano detalle…

Otra cosa muy importante del cine es que hace desaparecer la frontera entre lo real y lo imaginario. Te resulta complicado saber si las historias son reales o no, si los decorados también son reales.

 

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El cine crea unas relaciones íntimas entre los espectadores y los actores. Un claro ejemplo de esta relación es que cuando Rodolfo Valentino murió en 1926 hubo una gran cantidad de personas que fueron al funeral, algunas de las mujeres llegaron incluso a suicidarse. Otra persona que despierta mucha expectación aún estado muerto es Elvis Preisler.

 

 

La televisión y los posteriores medios de comunicación.

La televisión se inventa en los años 30. La primera retransmisión de televisión fue los Juegos Olímpicos de Berlín, que fue llevado a cabo gracias a Adolf Hitler. En 1937 Francia y Reino Unido empiezan a realizar retransmisiones por televisión.  En 1948 empieza a llegar a España la televisión. La televisión es uno de los grandes negocios de la historia de la humanidad. En la televisión se realizan una gran cantidad de anuncios.

Resulta sorprendente ver la cantidad de  tiempo que dedicamos a ver la televisión en toda nuestra vida.

 

VIVIR EN UNA SOCIEDAD DEL ESPECTÁCULO

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Esta chica misteriosa que fue portada en Junio de 1985 de la revista “National Geographic”, cautivó a todo el mundo a través de esa mirada magnética y profundos ojos verdes que transmitían la dura vida que había llevado. Sus padres murieron durante los bombardeos de la Unión Soviética contra Afganistán y junto a su hermano, viajaron a principios de los 80 a través de las montañas, hasta un campo de refugiados en Pakistán, Nasir Bagh.

Sharbat Gula, que así se llama en realidad, pertenece a la etnia Pashtun. Se casó a los 16 años con Rahmat Gul y en 1992 volvió a Afganistán. Tiene tres hijas: Robina, Zahida y Alia (otra cuarta falleció con 8 meses), para las que tiene deseos de que obtengan la educación que ella no pudo disfrutar.

Sharbat Gula se dejó fotografíar para la revista después de tanto tiempo cuando fue identificada, aunque ha preferido seguir en el anonimato

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Este es un claro ejemplo de como nosotros nos convertimos en parte del espectáculo.

 

PERFORMING

El televisor, la radio, el cine… además de decirnos digamos el cómo actuar, también nos enseña una performatividad.

Los políticos y las grandes empresas se puede decir que son los que manejan el mundo y  el principal objetivo de ambos es “sacar dinero”.

Herberg fue un importante fotógrafo que trabajo en África, y se dedicó en parte a hacer fotos a personas con gorros.

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Cada instante de la vida puede ser exhibido, puede pasar a  ser parte del imaginario del mundo entero. Es el espectáculo continuado.

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A LA VEZ ACTORES Y ESPECTADORES DE LA SOCIEDAD DEL ESPECTÁCULO.

¿Porque somos espectadores y actores a la vez?

Creo que somos espectadores y actores a la vez porque entre otras cosas siempre estamos haciéndonos fotos y grabándonos videos. Otro gran factor es que internet a cambiado el régimen de visualidad, nosotros nos convertimos en parte del espectáculo al salir en fotos en internet.

Pero en todo esto existe un gran problema, el cual es que el que no va igual que la mayoría se puede decir que es apartado, es decir, esto se basa en la discriminación. Esto se basa en el echo a ser rechazado y a no existir. También podemos decir que las grandes empresas han creado y nuevo miedo, que es el miedo a envejecer.

comentario del tema 3

diciembre 8, 2008

TEMA 3: TECNICAS, MEDIOS Y MATERIALES DE CREACIÓN PLÁSTICA MÁS USUALES

 

Existen muchas técnicas diferentes para crear imágenes y objetos. Algunas de estas técnicas se utilizan desde hace mucho tiempo, las cuales denominamos tradicionales o artesanales. Otras han aparecido más recientemente, como son todas las técnicas derivadas de la fotografía o de las TIC. Pero además hay otros modos de expresión diferentes a los anteriores, que no están basados en la creación de objetos ni imágenes, como son las expresiones con el cuerpo, la creación de situaciones etc. Todas las técnicas son validas, ya que lo que importa no es la técnica, sino el resultado.

Todas las técnicas pueden ser utilizadas en el aula, algunas de ellas son:

1.       Técnicas y procesos tridimensionales. (volumen)

–    Adición (ir poniendo más). Se utiliza con la arcilla, el yeso, la plastilina…

–    Sustracción (quitar). Se utiliza en la madera, la piedra, el poliespan… Dentro de la sustracción podemos diferenciar entre la talla directa, la cual consiste en ir quitando directamente del material, mientras que en la talla indirecta se va copiando un modelo hecho de materiales más sencillos  de y trabajar y se va traspasando a la talla con ayuda de materiales y herramientas especiales para  no equivocarse.

–    Construcción (juntar piezas hasta formar la obra). Se utiliza la soldadura, el encofrado… 

–   Deformación. Se lleva a cabo con el repujado, el cincelado, la forja…

–   Transformación. En ella podemos contemplar la técnica de vaciado y fundición. El vaciado consiste en hacer moldes y rellenarlos luego con algún material. Los materiales que se utilizan para rellenar son por ejemplo la escayola, el cemento… Y la fundición es el proceso por el cual se copian esculturas en algún metal.

 

2.       Técnicas y procesos bidimensionales.

          En el dibujo se puede utilizar el carboncillo, la sangría y otras barras, los lápices como el grafito y los colores, las tintas, tanto la china como la sepia etc, el pastel , ya sea magro o graso, las ceras, y otros materiales como las tizas, la punta de plata…

          La pintura se puede utilizar con pincel, con aerógrafo, con rodillo, esponjas, con espátulas… Con la pintura se pude dibujar al agua con acuarelas, aguadas, acrílicos… Al aceite, con óleo, esmaltes sintéticos…

 

3.       Técnicas de mosaico.

Las técnicas más usuales son el collage y el mosaico. El mosaico se puede realizar en piedra, vidrio,madera…

El collage:  es una técnica artística que consiste en ensamblar elementos diversos en un todo unificado. El término se aplica sobre todo a la pintura, pero por extensión se puede referir a cualquier otra manifestación artística, como la musica, el cine, la literatura o el videoclip. Viene del francés coller, que significa pegar.

En pintura, un ‘Kollaje’ se puede componer enteramente o solo en parte de fotografías, madera, piel, periódicos, revistas, objetos de uso cotidiano, etc. Aunque se considera que fue Picasso quien inventó el colaje en 1912 con su pintura Naturaleza muerta con silla de rejilla, está en discusión si fue primero Picasso o Georges Braque. El primero había pegado fotografías a sus dibujos en fechas tan tempranas como 1899, y en la primavera de 1912 incorporó hule en forma de rejilla a su citada pintura Naturaleza muerta con silla de rejilla. Pero el segundo realizó a finales del verano de aquel año los primeros papiers collés al incorporar a sus obras recortes de papel pintado comercial que imitaba madera, uno de cuyos ejemplos es Tête de femme (1912).

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El mosaico: es una obra compuesta de rocas. También puede estar hecha de madera. Por extensión se llama mosaico a cualquier obra realizada con fracciones diversas.

Se utilizó en los yacimientos de la ciudad asiria llamada Nínive.Se ha podido ver que decoraban las paredes y las columnas con pequeños trozos de arcillas de colores dibujando formas geométricas.

En el mundo europeo fue muy frecuente y desde muy temprano (desde fines del siglo V a. C.) el pavimento compuesto por guijas de río (piedrecillas chicas que se encuentran en las orillas) de tamaños y de colores distintos. Con estas guijas se hacían dibujos sencillos de temas geométricos. En los pueblos de Castilla y León (en España) han seguido a través de los siglos esta tradición para los patios y zaguanes de las casas. Es lo que llaman enguijarrado.

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4.       Otras técnicas tradicionales.

Como puede ser la vidriera, los tejidos, etc. Las vidrieras se pueden imitar muy bien con materiales escolares, y dan muy buen resultado.

La vidriera es una composición decorativa formada por piezas polícromas de vidrio. Alcanzó gran desarrollo con el arte gótico y se relaciona con sus catedrales, aunque también se cultivó en otros estilos y en el arte civil.

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5.       Técnicas de imagen fotográfica e infográfica.

Las técnicas derivadas de la fotografía y el cine suelen ser audiovisuales, como la fotografía, el cine, la televisión,  el video…

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6.       Modos de expresión no basados en la creación de objetos ni imágenes.

Como puede ser la expresión con el cuerpo, la creación de situaciones, como el happening y el performance, el land art etc.

El happening (de la palabra inglesa que significa evento, ocurrencia, suceso). Es una manifestación artística, frecuentemente multidisciplinaria, surgida en los 1950 caracterizada por la participación de los espectadores. Los happenings integran el conjunto del llamado performance art y mantiene afinidades con el llamado teatro de participación.

El performance: el arte de la performance es aquél en el que el trabajo lo constituyen las acciones de un individuo o un grupo, en un lugar determinado y durante un tiempo concreto.

La acción artística de performance puede ocurrir en cualquier lugar, iniciarse en cualquier momento y puede tener cualquier duración.

Una “acción artística” es cualquier situación que involucre cuatro elementos básicos: tiempo, espacio, el cuerpo del artista y una relación entre este y el público. El performance se opone a la pintura o la escultura, ya que no es el objeto sino el sujeto el elemento constitutivo de la obra artística.

La performance tiene parentesco con la acción poética, la poesía visual y otras expresiones del arte contemporaneo. Algunos llaman a tales expresiones (idénticas o muy similares a la performance): live art, action art, intervenciones y manoeuvres.

 

7.       Algunas nociones elementales. De la idea a la obra acabada.

En el arte hay una serie de pasos, que son bocetos y pruebas, modelo y obra definitiva. Del modelo a la obra definitiva suele haber mucho trabajo intermedio. Además es muy frecuente hacer  maquetas y fotomontajes y diseños.

Para completar el comentario de este tema e cogido información de la página http://www.wikipedia.com

comentario del tema 2

diciembre 6, 2008

TEMA 2: ELEMENTOS DE LA FORMA, COLOR, SINTAXIS DE LA IMAGEN Y CAMPO VISUAL

1.- Elementos de la forma

·         Punto. Es la unidad mínima de alteración visual y se caracteriza por su forma, su tamaño, su color y por su ubicación dentro de la composición gráfica.

·         Línea. Es el elemento básico de todo grafismo. Está formada por la unión de varios puntos en sucesión.

·         Plano/superficie. Figuras

Tipos de línea:

·         Horizontal. Expresa equilibrio, calma, estabilidad. No hay estabilidad sin una línea recta de referencia.

·         Vertical. Sugiere elevación, movimiento ascendente, actividad. También expresa equilibrio, pero inestable. Esto se puede corregir apoyándolas en una línea horizontal.

·         Diagonal. Expresa tensión, inestabilidad, desequilibrio.

·         Curvas. Es la línea más libre y la más dinámica de todas, pudiendo sugerir desde un movimiento perfectamente definido hasta un movimiento caótico, sin reglas.

 

Todos los contornos básicos son fundamentales, figuras planas y simples que p ueden describirse y realizarse de forma fácil. A partir de estos contornos básicos y mediante combinaciones y variaciones podemos construir todas las formas físicas e imaginarias que se nos ocurran.

Dependiendo de cómo coloquemos ciertas figuras podremos tener una sensación u otra, por ejemplo, el triángulo y el cuadrado si los representamos apoyados en la base nos dará una sensación de estabilidad y también de estatismo. Sin embargo, si lo representamos apoyado en uno de sus ángulos tendremos las sensaciones contrarias, inestabilidad y dinamismo.

El triángulo es menos estático que el cuadrado, ya que al tener cierta angularidad en sus lados que puede transmitir un movimiento ascendente o descendente. Cada una de las formas tiene asociada una dirección visual, así el cuadrado y rectángulo llevan asociado la horizontalidad y verticalid ad, el triángulo la horizontalidad y dirección diagonal y el círculo la curva y la sensación de rotación. El dominio de la referencia horizontal vertical facilita la sensación de equilibrio, al contrario del dominio de la dirección diagonal que constituye la fuerza direccional más inestable.

 

Concepto de eje sentido.

Consiste en el establecimiento inconscientemente de una especie de eje vertical (ortogonal al suelo) sobre cada forma, con arreglo al cual establecemos  su equilibrio. A esto le llamamos eje sentido.

El eje sentido nos permite comprender cómo las formas se alejan de lo vertical y adquieren  dinamismo, tensión, etc.

 

RITMOS INTERNOS. REPRESENTACION DEL MOVIMIENTO

El  ritmo interno son las líneas (imaginarias) que resumen la estructura  y el dinamismo de una figura. El ritmo interno es responsable de la sensación dinámica de las formas, de su sensación de movimiento.

 

Cuanto más dinámico sea el ritmo interno de las figuras, o de la forma en al que parecen estar inscritas, más dinámica será la obra. Un ejemplo puede ser las líneas cinéticas, estelas y rastros.

 

 

   PLANOS Y FIGURAS

·         Plano. El plano es un espacio geográfico, que sólo posee dos dimensiones, y contiene infinitos puntos y rectas.

-Rectos

-Curvos

-Mixtos

·         Figuras regulares.

-Cuadrados y rectángulos. Tienes carácter estático y equilibrado.

El rectángulo áureo. Se parte de un cuadrado. Se coge la distancia desde la mitad y se lleva con el compás fuera.

Este rectángulo ha sido la base de la geometría del siglo XX. Se consideró una proporción divina, la proporción con la que crecen los cuerpos corresponde con el rectángulo áureo.

-Triángulos. Equilátero, isósceles, escaleno. Los triángulos son dinámicos pero muy equilibrados. Cuando los triángulos no están apoyados se vuelven muy dinámicos y pueden perder el equilibrio.

-Círculos, elipses… Poseen un carácter dinámico, ya que es una curva cerrada que produce un movimiento sin fin. Pero es equilibrado porque establecemos su eje vertical. El equilibrio depende de los dos ejes.

-Otras: hexágonos, heptágonos

·         Figuras irregulares

 

2.- El color 

 

El mundo material es incoloro. La materia posee la característica de aboserber determinadas partes del espectro lumínico. La luz no es absorbida es remitida y transmite estímulos de color diferentes al de la ambientación general, al legar estos estímulos espectrales distintos hasta el órgano de la vista es cuadno nos produce una sensación de color. Consideramos el poder de absorción del material como el color propio de su cuerpo, y la composición espectral de un haz de luz como su color luminoso. Aunque la absorción sólo es una cualidad latente y los rayos de luz sçolo son sus transmisores de información. El color sólo es sensación de color, producto del órgano de la vista. 

Los tres colores primarios: el ojo cuenta con tres tipos de células visuales, que rigen tres tipos diferentes de sensaciones, correspondientes a los colores primarios azul, verde y rojo. A partir de ellos se forma para cada sensación de color un código de tres partes. A los tres componentes del órgano de la vista le corresponden ocho colores elementales, dos acromáticos (blanco y negro) y seis colores elementales cromáticos (amarillo, magenta, cyan, azul, violeta, verde y rojo naranja). Los ocho colores elementales son las ocho posibilidades indivisas de variación que resultan de los tres colores primarios. Representan las sensaciones de color extremas que el órgano de la vista es capaz de producir.

El color es una sensación que es percibida por los órganos visuales.

Los colores menos saturados transmiten sensaciones tranquilas y suaves, por el contrario los colores más saturados transmiten tensión. Por otro lado tenemos también el concepto de matiz, que es la mezcla de un color con otro; en este sentido se puede hablar de rojo granate, de rojo anaranjado (que tenga una buena parte de amarillo)… Estas diferentes apreciaciones del color hacen muy difícil una nomenclatura de aceptación generalizada.Por otro lado, hay que tener en cuenta que el color está íntimamente relacionado con la luz y el modo en que esta se refleja. Podemos diferenciar por esto, dos tipos de color: el color luz y el color pigmento.

Las dimensiones del color son:

·         Matiz o croma: es el color tal como se ve. Azul, amarillo, rojo…

·         Saturación: es la pureza que posee el color.

·         Brillo: es el tono de la imagen.

Existen distintos tipos de color:

·         Primarios luz, los cuales sumados dan la luz blanca: verde, azul y blanco. (son los que nos se consiguen mezclando más colores)

·         Primarios materia, cuya suma es un gris muy oscuro: amarillo, cyan y magenta.

También hay una distinción de colores conforme a la materia. Éstos son:

·         Primarios: amarillo, cyan y magenta.

·         Secundarios, es una suma de dos primarios: verde, naranja y violeta.

·         Complementarios, todo primario tiene su complementario. El complementario de un primario es la mezcla de los otros primarios restantes.

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Por último podemos hacer una distinción entre colores fríos y cálidos. Los fríos son el azul, mientras que los cálidos son rojos, amarillos y naranjas. Los colores cálidos normalmente se ven más cerca y más grande, mientras que los colores frios tienden a verse más pequeños y más lejos. Cuando mezclamos dos colores secundarios, resulta los colores terciarios.

Con el color rojo, azul y amarillo podemos formar todos los demás colores, con la mezcla de amarillo y azul resulta el verde, mientras que con la mezcla de rojo y amarillo formamos naranja, por último con la mezcla de rojo y azul formamos el violeta.

 

 

3.- Peso visual

El piso visual es la capacidad que tiene un elemento visual para captar la atención del espectador. Hay factores que influyen en el peso visual, como la forma, el tamaño, el color, el contraste, lo atractivo y el movimiento.

SINTAXIS DE LA IMAGEN

En la composición, las imágenes normalmente están compuestas por muchos elementos. Normalmente preferimos que estos elementos estén dispuestos de modo que al final queden compensados entre ellos. Tras realizar esto lo que hacemos es crear una composición equilibrada. En esta composición es frecuente usar composiciones con ritmos internos en diagonal, también es frecuente utilizar composiciones en las que predomina lo horizontal, para dar sensación de reposo. O la vertical para espiritualidad de una obra.

 

Para realizar el comentario de este tema he cogido información de la página www.mailxmail.com

comentario del tema 1

diciembre 6, 2008

TEMA 1: PERCIBIR, MIRAR, VER. PODER CONTAR, NO TENER MIEDO.

A.- FISIOLOGIA DE LA VISIÓN: LOS SENTIDOS
El origen de toda percepción visual es la luz y la principal fuente de luz es el sol la cual es blanca y abundante, esto es así porque es la suma de todos los colores, de distintas longitudes de ondas. La luz es una onda que nos llega desde el sol. Los colores no son otra cosa que el reflejo de una luz, ya que se quedan una parte de ellas y reflejan otra. Hay otras fuentes luminosas, no blancas y menos intensas.
La luz es blanca y suma de todos los colores, ésta se propaga en línea rectal. La reflexión es la luz que incide en los objetos y es reflejada hasta llegar a nuestros ojos.
Llamamos espectro electromagnético al conjunto de de ondas que nos llega desde el sol. La luz visible es a lo que llamamos luz. Los colores de los que está compuesta el espectro visible son: lila, azul, verde, amarillo, naranja y rojo.
L a luz incide sobre los objetos y es reflejada totalmente o en parte ( la luz se propaga en línea recta). Según lo que se refleje veremos un color u otro.
Nuestro órgano de visión es el ojo, a través del cual vemos los objetos. El proceso de la percepción visual es aquel mediante el cual podemos ver. Cada ojo ve una parte del objeto distinta, esta información es juntada por el celebro y hace que el objeto se vea tridimensional. La percepción visual es interior, porque cada persona ve de manera distinta.
El tacto es un sentido que está asociado a la visión, es muy importante porque nos transmite información sobre las cosas que nos rodea. El órgano es la piel.
Además de estos sentidos también hay otros modos de percibir el espacio, el volumen y la forma:
– Somática: toma como órgano perceptivo a todo el cuerpo y en especial, la piel, cuya función límite entre la integridad corporal y el medio, es objeto a desarrollar.
– Vibratoria: los huesos y otras cajas de resonancia son los encargados de posibilitar la asimilación de las ondas que nos llegan en forma de vibración y que se traducen en una experiencia interna.
– Vestibular: Es en el oído interno de donde parte la información que posibilita nuestra orientación en el espacio y configura la construcción del equilibrio.

B.- “VER” ES MÁS QUE PERCIBIR A TRAVÉS DE LOS SENTIDOS. EL CELEBRO INTERPRETA LO QUE VE.
Todo lo que vemos no es más que la interpretación que le da el celebro a todo aquello que capta la vista. Gestalt nombró pattern (modelo) a aquellas cosas que reconocemos, ya que tenemos posee unos esquemas. Esto nos permite reconocer que un objeto es lo que es, esto también nos permite que el arte sea muy creativo.

LEYES DE LA GESTALT
El celebro ve más de lo que ven los ojos.
1. Ley de proximidad
Cuando las partes de una totalidad reciben un mismo estímulo, se unen formando grupos en el sentido de la mínima distancia.

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2. Ley de igualdad o equivalencia.
Cuando concurren varios elementos de diferentes clases, hay una tendencia a constituir grupos con los que son iguales. Si las desigualdades están basadas en el color, le efecto es más sorprendente que en la forma.

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3. Ley de prägnanz ( ley de la buena forma y destino común)
Las partes de una figura que tienen “buena forma”, o indican una dirección o destino común, forman con claridad unidades autónomas en el conjunto.

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4. Ley del cerramiento
Las líneas que circulan en una superfie son, en iguales circunstancias, captadas más fácilmente como unidad o figura, que aquellas que se unen entre sí.

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5. Ley de simetría
Esta ley desborda el campo de la percepción de las formas para constituir uno de los fenómenos fundamentales de la naturaleza.

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6. Ley de la continuidad.
Esta ley se constituye con elementos que son comunes a otras leyes ya mencionadas.

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7. Ley de figura-fondo.
Esta ley es la de mayor fuerza y trascendencia de las expuestas, porque puede considerarse que abarca todas las demás, ya que en todas late este principio organizativo de la percepción.

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Establecemos las siguientes diferencias entre fondo y forma:
1.- Cuando dos campos tienen la misma línea límite común, es la figura la que adquiere forma, y no el fondo.
2.- El fondo parece que continúa detrás de la figura.
3.- La figura se presenta como un objeto definido, sólido y estructurado.
4.- La figura parece que tiene un color local sólido y el fondo parece más etéreo y vago.
5.- Se percibe la figura como más cercana al espectador.
6.- La figura impresiona más y se recuerda mejor que el fondo, que queda indefinido.
7.- El límite o línea que separa figura y fondo, pertenece siempre a la primera.
David Katz agrega otra importante diferencia:
8.- La distancia de la figura puede ser fijada con más precisión que la distancia al fondo que queda por detrás a distancia indeterminada.

ILUSIONES OPTICAS: son cosas que vemos, aunque no existen (y sabemos que no existen), que demuestra que el celebro ve más de lo que hay.
Los tipos de ilusiones ópticas son: tamaño, dirección-posición, curvatura, movimiento, contraste y color.

VER ES MÁS QUE PERCIBIR A TRAVÉS DE LOS SENTIDOS. Factores psicológicos, sociales… que influyen la percepción.
En la percepción influyen factores como por ejemplo:
• Aspectos no conscientes
• Aspectos culturales
• Aspectos subjetivos

C.- LA PERCEPCIÓN COMO FENÓMENO INTELIGENTE

Percibir es recibir por uno de los sentidos las imágenes, impresiones o sensaciones externas. La mirada es el resultado de la inteligencia y de la voluntad:
Nunca podemos estar seguro de lo que ve otra persona.
Completamos lo visto con lo sabido e interpretamos los datos dándoles significado.
Mediante la mirada extraemos datos de la realidad. Cogemos de nuestro alrededor lo que nos interesa, porque nuestro ojo está dirigido en su mirar por nuestros deseos y proyectos. Ver es coger e interpretar.

D.- HACIA UNA MIRADA CREATIVA, INVESTIGADORA…

Estamos sometiendo a la realidad a una interviú permanente, y de la sagacidad de nuestras preguntas dependerá el interés de sus respuestas. Según decidamos mirar y buscar en lo que vemos, encontraremos más cosas y más posibilidades, o, si no atendemos a nada apenas encontraremos nada.

El dibujo no es la forma, sino la manera de ver la forma.
Según decidamos mirar, haremos una realidad mejor o todo lo contrario. Nuestra libertad decide. Ahí radica la visión.

E.- DOS OBJETIVOS FUNDAMENTALES PARA PODER CONTAR/CREAR

Objetivo 1: perder los miedos y saber estar abiertos a todos.
Objetivo 2: aprender a comprender.